lunes, 18 de julio de 2011
POESIA EN PARALELO CERO
CRISTIAN LONDOÑO
SINOPSIS DEL AMOR
Pienso: soy trasnochador.
¿ Pensar, qué es?
Un cúmulo de ideas
disueltas en agua de mi memoria.
¿ Y trasnochar ?
Sobrevivir una noche interminable.
¿ La noche ?
Oscuridad.
¿ La oscuridad del ser ?
La que tienen los hombres
en un día claro y soleado.
¿ Y el amor, dónde está ?
En el fondo de los corredores del alma
con su velita encendida.
¿ El amor, qué es ?
Pensar en la felicidad.
¿ Sólo pensar ?
Sentir. Devorar. Amar.
¿ Amar ?
Es un claro
en la nocturnidad.
¿ Nocturnidad ?
Sí, sólo implica pensar.
¿ En qué ?
En que soy un trasnochador
con el cerebro perdido
en un estanque de sueños azules
y mis células iluminadas.
¡ Entonces, el amor !
Quizás.
DAVID SÁNCHEZ
I
Los rostros moldean su aspereza
en las delicias.
Empalagan la ciega efigie
al saciar el gusto en las formas.
¿acaso vagan en los manantiales del vino?
Son el mismo barro forjado de sal
y alba.
II
El amanecer...
El calor une a las miradas tras los corredores
que una vez condujeron a mis venas.
Lejos
el deseo esconde uno a uno
a los siervos del agua,
círculo de espadas emanando los sitiales,
inmolando en las piedras el reflejo de la luz.
Medusa calla...
y danza en los vitrales.
VISITA AL ANTIGüO HOSPITAL MILITAR
LA EXPOSICION “PASAJE AL FUTURO: ARTE DE UNA NUEVA GENERACION EN JAPON¨
"GM Na-Tale-Goto" Maywa Denki
La exposición presenta los trabajos de 11 artistas japoneses de destacada trayectoria: Maywa Denki, Miyuki Yokomizo, Tetsuya Nakamura, Yoshihiro Suda, Satoshi Hirose, Tomoyasu Murata, Tabaimo, Nobuyuki Takahashi, Atsushi Fukui, Masafumi Sanai y Katsuhiro Saiki, quienes expresan su visión de la realidad a través de la pintura, la fotografía, el video/animación, la escultura y la instalación.
"Japanese Little Kitchen" Tabaimo
Una de las obras de arte que más llamo la atención, fue la expresión volumétrica de jabones, lacual es una propuesta donde el visitante interactua con la obra al poder tocarla, olerla loque no pasa con laspinturas donde el visitante no interactua con la obra su limitacion es la visualización de la pintura.
NAQOYQATSI
El genial director Godfrey Reggio completa su trilogía inspirada en tres profecías de los indios hopi. En Naqoyqatsi, cuyas palabras significan Vida en guerra, nos propone, como en las dos películas anteriores, Koyaaniskatsi, de 1982 (Vida desequilibrada) y Powaqqatsi, de 1987 (Vida en transformación), una experiencia fílmica más allá de las palabras, en la cual la imagen y la música nos infiltran en Naqoyqatsi, un mundo en guerra. Un mundo en el cual la tecnología lo está alterando todo: los medios, el arte, los sentimientos, el deporte, la política, la medicina, la guerra, la ética, la naturaleza, la cultura y la misma cara del futuro humano. Por ello, las imágenes estimulantes de Naqoyqatsi se funden con la música hipnótica de Philip Glass que soporta el espectáculo visual con el que tiembla la pantalla.
Es una experiencia para derramar el exceso de edulcorante cerebral con el que nuestra sociedad nos adormece. Es una experiencia para salir del conformismo sin perder la identidad. Es una experiencia para amar más la Vida. Qatsi, en hopi significa vida y esta película, como sus hermanas, son un intento de renombrar las cosas de nuestra civilización, para que lo que nos parece normal lo veamos anormal, sinsentido, que es la realidad. No es normal mostrar imágenes de rehenes decapitados y no sentir escalofríos en el alma. No es normal que las bombas estallen en medio de la noche a vista de pájaro tal como lo ve el avión asesino. No es normal que la maldad domine a la bondad, pero nuestro mundo nos hipnotiza para que no nos rebelemos. Las imágenes de Reggio perforan el iris y diluyen parte de la atrofia cerebral que nos paraliza para ser vitales. La música de Glass y el virtuoso violoncelo de Yo-Yo Ma despierta a estas orejas acostumbradas a no oír para no tener que pensar en nuestra cómoda cotidianidad. Música e imágenes, no hay más, pero con un guión inexistente que, sin embargo, traza una sensacional visión, como el estilete de un plotter que a cada pasada parece que no dibuja nada, pero que al final de todas ellas deja una fotografía impactante. Naqoyqatsi atraviesa nuestro corazón, algo que necesitamos de vez en cuando para sentir la libertad, esta libertad que día a día tras el 11-S se va diluyendo como la vida vista a través de una ventana azotada por la lluvia fina pero persistente.
Naqoyqatsi está organizada en tres partes. El MOVIMIENTO UNO explora el mundo como si estuviera atado con un alambre mientras el lenguaje humano evoluciona hacia al código numérico. El MOVIMIENTO DOS se ceba en el reino de los deportes, de la competición y del juego, el circo de las pasiones de un mundo en paz. El MOVIMIENTO TRES es un viaje a velocidad galáctica por la ficción que la ciencia nos propone para el siglo XXI, un viaje violento, en guerra contra lo más puro de la esencia humana: la capacidad de amar y sentir.
martes, 17 de mayo de 2011
EXPOSICIÓN DOS
GOYA
(Francisco José de Goya y Lucientes; Fuendetodos, España, 1746 - Burdeos, Francia, 1828) Pintor y grabador español. Goya fue el artista europeo más importante de su tiempo y el que ejerció mayor influencia en la evolución posterior de la pintura, ya que sus últimas obras se consideran precursoras del impresionismo.
Goya aprendió de su padre el oficio de dorador, pero, decidido a dedicarse a la pintura, se trasladó a Madrid para formarse junto a Francisco Bayeu, con cuya hermana se casó en 1775, año de su establecimiento definitivo en Madrid. Bayeu le proporcionó trabajo en la Real Fábrica de Tapices, para la que realizó sesenta y tres cartones, en su mayor parte con escenas idílicas y de la vida diaria, plasmadas con colores claros y vivos e impregnadas de alegría y romanticismo.
DIMESIÓN SEMÁNTICA
JUNA BAUTISTA DE MURGUIRO
La imagen muestra a "Juan Bautista de Muguiro ¨ cuyo autor fue Goya en 1827 y por lo tanto perteneciente a la pintura impresionista. Se trata de un costumbrista, concretamente es el retrato de Juan Bautista de Muguiro.
Es una pintura al óleo sobre lienzo. La luz es una característica muy importante. Es una luz ciega que enfoca directamente a la cara del personaje y al papel que este sostiene en su mano, dejando oscurecido el fondo, lo cual da una sensación de perspectiva. La composición gira entorno a un único plano en el que se encuentra el personaje sentado en una silla. El movimiento es inexistente y el rostro deja ver una expresión de serenidad. Esto es debido al recuerdo de España por Goya Destaca la pincelada libre que el autor utiliza. Predominan las tonalidades oscuras que contrastan con las zonas en las que recae la luz, como son la cara y el papel
DIMENSIÓN SINTÁCTICA
Angulación: Picado leve(fig.. parado); contrapicado leve(fig. de rodillas).
Perspectiva: Lateral izquierda (fig. parado);
lateral derecha (fig. de rodillas)
PRAGMÁTICA
¨Goya es considerado uno de los pintores universales del arte, tanto por su calidad de producción, la fuerza de su personalidad y su temática comprometida en un periodo conflictivo de la historia de España como por la admiración e influencia que despertó en los estilos artísticos posteriores y en las vanguardias del arte contemporáneo. Por lo tanto podemos decir que es el iniciador de nuevos caminos artísticos y técnicos.
En cuanto a sus obras, podemos decir que estas son muy fieles con respecto a la época ya que Goya fue un ejemplo de artista comprometido con su tiempo: primero hubo de ser el pintor del espíritu de la razón y de la esperanza, reflejando en sus lienzos la ilusión de la concordia española con su mundo de amable costumbrismo; después, al concluir de su vida, sería como ningún otro artista, el denunciador de una época de traición, fracaso y miseria. Los últimos años de su vida, con residencia en Francia, pudieron proporcionarle una visión muy ilustrativa, desde fuera, de un país, el suyo, que a su muerte dejaba enfrentado en las dos facciones que por mucho tiempo habían de quedar denominadas como "las dos Españas".
ESTÈTICO EXPRESIVA
¨Aunque el término Impresionismo se aplica en diferentes artes como la música y la literatura, su vertiente más conocida, y aquélla que fue la precursora, es la pintura impresionista. El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa —principalmente en Francia— caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz (la «impresión» visual) y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus antecesores pintaban formas con identidad, los impresionistas pintarán el momento de luz, más allá de las formas que subyacen bajo éste. El movimiento fue bautizado por la crítica como Impresionismo con ironía y escepticismo respecto al cuadro de Monet Impresión: sol naciente. Siendo diametralmente opuesto a la pintura metafísica, su importancia es clave en el desarrollo del arte posterior, especialmente del postimpresionismo y las vanguardias.
ANDRÈ KERTÈSZ
Es conocido por sus contribuciones a la composición fotográfica y por sus esfuerzos para establecer y desarrollar el ensayo fotográfico . Durante los primeros años de su carrera, sus trabajos no fueron apreciados debido a sus ángulos poco ortodoxos y a su deseo de conservar un estilo fotográfico personal. Incluso al final de su vida Kertész consideró que no había obtenido el reconocimiento que merecía. Actualmente, es considerado una de las figuras más influyentes del periodismo fotográfico.
A comienzos de los años treinta su estilo evoluciona gracias a su nueva cámara Leica de 35 mm, muy manejable y discreta. En 1933 realiza, con la ayuda de dos espejos deformantes de circo, una de sus series más innovadoras, Distortion, para un encargo de la revista Le Sourire sobre el cuerpo femenino. Esta insólita solución visual, que “subraya lo extraño de la realidad, pero no lo falsifica”, representa un paso de gigante tanto en la obra del artista como en la historia de la fotografía. En esa época trabaja para diferentes revistas europeas como Vu, Sunday Times, Berliner Illustrierte Zeitung y Uhu, e introduce en París a un compatriota que será uno de los corresponsales de guerra más famosos del siglo XX, Robert Capa.
FRANCOIS COCÔ LASSO
La mirada del autor sobre su trabajo
La fotografia a mi parecer, muestra lo que puede llegar hacer una persona por fé, incluso llegar a atentar contra su propia integridad física.
Esto demuestra como nuestra cultura y el tema de la religiosidad están intimamente relacionados.
lunes, 16 de mayo de 2011
MANUEL MILLARES
En esta imagen se apresia como un señor de avanzada edad, lleva en sus hombros un peso que es mayor al de sus fuerzas y que dobla su frágil humanidad. La bota que esta sobre su hombro izquierdo es como si alguien le estuviese pisando vilmente. El paisaje de esta imagen transmite soledad y tristeza como si nada hubiese en el horizonte solo aquel señor cansado de vivir.
BIOGRAFÍA
Manuel Millares Sall, más conocido como Manolo Millares, fue un pintor y grabador canario nacido en Las Palmas de Gran Canaria (isla de Gran Canaria, Islas Canarias) el 17 de enero de 1926 y fallecido en Madrid (España) el 14 de agosto de 1972 .Cofundador del grupo El Paso en 1957, en sus inicios pinta paisajes, cuadros de figuras y autorretratos cuyo estilo recuerda a los de Van Gogh. Desde 1949 se dedica a la pintura abstracta. Realizaba sus obras con sacos agujereados, tela de arpillera y cuerdas en las que pegaba objetos sacados de la basura. Los materiales citados eran luego cubiertos con capas chorreantes de pintura, de colores negro, blanco y rojo.
EL PASO DE LA CARICATURA AL CINE
La ciudad es personificada para lo que según el autor es la “modernidad”, ésta cuenta con la estructura y servicios que toda gran ciudad tiene en nuestros días, a su vez se denota la importancia de las máquinas para la realización de las tareas cotidianas donde hasta cierto punto se da una relación de co-dependencia entre la ciudad y las máquina;
social, la ciudad es considerada desde las condiciones que se tenga para llegar a ésta, en esta película se ve como el director, siguiendo la línea del expresionismo alemán, trato de enfrentar una realidad latente, la pérdida del valor humano por supleción de las máquinas
pero a su vez desde un punto de vista inhumano, donde lo que importa es la producción sin importar
.
René Magritte
René François Ghislain Magritte 21 de noviembre de 1898, en Lessines, Bélgica - 15 de agosto de 1967, en Bruselas, Bélgica) fue un pintor surrealista belga. Conocido por sus ingeniosas y provocativas imágenes, pretendía con su trabajo cambiar la percepción precondicionada de la realidad y forzar al observador a hacerse hipersensitivo a su entorno.
Magritte dotó al surrealismo de una carga conceptual basada en el juego de imágenes ambiguas y su significado denotado a través de palabras poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado y el real.
Poco se conoce acerca de los primeros años de Magritte. Nació en Lessines, provincia de Hainaut, en 1898, el mayor de los hijos de Léopold Magritte, sastre y comerciante de telas, y Regina (nacida Bertinchamps). Comenzó sus lecciones de dibujo en 1910. El 12 de marzo de 1912 su madre se suicidó ahogándose en el río Sambre. Éste no fue su primer intento, pues llevaba años intentando quitarse la vida, obligando a su esposo Léopold a encerrarla en su dormitorio. Un día ella escapó y estuvo perdida por días. Más tarde fue descubierta, muerta, río abajo. De acuerdo a la leyenda, Magritte, que entonces tenía 13 años, estaba presente cuando el cuerpo fue recuperado del agua, pero recientes investigaciones han desacreditado tal historia. La imagen de su madre flotando, su vestido oscureciendo su cara, puede haber influenciado una serie de pinturas de 1927 a 1928, incluyendo Les Amants, pero a Magritte le disgustaba esta explicación.
Realiza sus primeros cursos de pintura en Châtelet. En 1915 comienza a hacer sus primeras obras en la línea del impresionismo. Entre 1916 y 1918 estudia en la Academia de Bellas Artes de Bruselas. Expone por primera vez en el Centro de Arte de Bruselas en 1920 junto a Pierre-Louis Flouquet, con quien comparte un estudio. Tras el servicio militar trabaja temporalmente como diseñador en una fábrica de papel. En 1923 participa con Lissitzky, Moholy-Nagy, Feininger y Paul Joostens de maria florecen una exposición en el Círculo Real Artístico.
Su obra del periodo 1920-1924, por su tratamiento de los temas de la vida moderna, su color brillante y sus investigaciones sobre las relaciones de la forma tridimensional con la superficie plana del cuadro, muestran las influencias del cubismo, del orfismo, del futurismo y del purismo.
En 1922 ve una reproducción de La canción de amor de De Chirico, que le impresiona profundamente, y a partir de 1926 se independiza de las influencias anteriores y basa su estilo en el de De Chirico.
En obras como La túnica de la aventura (1926) expresa su sentido del misterio del mundo por medio de la irracional yuxtaposición de objetos en una atmósfera silenciosa.
En El asesino amenazado (1926), el espacio perspectivo deriva de De Chirico y de los decorados de los primeros melodramas cinematográficos. En este mismo año se une a otros músicos, escritores y artistas belgas, en un grupo informal comparable al de los surrealistas de París.
En 1927 se establece en las cercanías de París y participa, durante los tres años siguientes, en las actividades del grupo surrealista (sobre todo, se relaciona con Éluard, Breton, Arp, Miró y Dalí). Aporta al Surrealismo parisino un resurgimiento del ilusionismo. A diferencia de Dalí, Magritte no usa la pintura para expresar sus obsesiones privadas o sus fantasías, sino que se expresa con agudeza, ironía y un espíritu de debate.
En 1928 participa en la exposición surrealista en la galería Goemans de París.
En 1930 regresa a Bruselas huyendo del ambiente polémico parisino, y allí pasa tranquilo el resto de sus días.
jueves, 12 de mayo de 2011
PSICOFONÍA
Las psicofonías o fenómenos de voces electrónicas son sonidos de origen electrónico que quedan registrados en grabadoras de audio y son interpretados con hipótesis muy diversas por las personas que se dedican a su investigación y estudio.
Según los proponentes del fenómeno paranormal, dichos registros aparecen como voces (masculinas, femeninas, juveniles, seniles e infantiles) que enuncian contenidos significativos, presentando una morfología característica en cuanto a su timbre, tono, velocidad y modulación. Su aspecto de mayor interés radica en el hecho de que, según sus estudiosos, en ocasiones estas "voces psicofónicas" han respondido a preguntas de los operadores, llegando a producirse diálogo con éstos. Asimismo, se han obtenido sonidos de animales, ruidos de forma e intensidad muy diversa y también sonidos musicales. Estos registros suelen ser explicados racionalmente como resultado de pareidolia, apofenia (encontrar significados en hechos insignificantes) o simplemente fraudes por la ciencia.
Los representantes de la investigación parapsicológica admiten el efecto objetivo descrito, reconociendo, sin embargo, que en cuanto a su causa o causas disponen solamente de hipótesis más o menos fundadas.
Existen numerosas teorías e historias respecto a cómo, quién y dónde habría sucedido esto. La historia más aceptada es la de que el impulsor de su existencia fue un productor de documentales y cantante de ópera, Friedich Jürgenson, nacido el 8 de febrero de 1903 en Estonia. En las vacaciones del verano de 1959 , estando junto a Mónica, su mujer, intentó registrar el canto del pájaro pinzón para realizar un documental. Dispuso para ello un pequeño magnetófono cerca de un bosque a las afueras de su casa y guardó silencio mientras el sonido de los pájaros se registraba en el aparato, haciendo varias tomas. Decidió escucharlas dentro de la casa, reprodujo la cinta y comenzó —según él— a escuchar lo grabado y comprobar que no se había producido ningún error. El audio era nítido y se escuchaba a la perfección el trinar de los pájaros, pero comprobó que en la grabación aparentemente alguien imitaba el trinar de los pájaros, estropeando la toma, para después escuchar la voz de alguien hablando en noruego, haciendo comentarios sobre el trinar del pinzón. Desechó la grabación, pensando que alguien se había introducido dentro de la zona donde él estaba, sin que Jürgenson se percatara de ello. Al día siguiente repitió la operación de grabado, en la misma zona, poniendo cuidado de que nadie anduviera a varias decenas de metros del aparato, y de nuevo, al reproducir la grabación, junto al canto del pinzón, una nueva voz se escuchaba perfectamente, pero en esta ocasión creyó reconocer la voz de su madre, fallecida, diciéndole algo que sólo ellos conocían: el nombre cariñoso y familiar con que su madre le llamaba. Según Jürgenson, en la grabación se escuchaba algo así: Friedel… mi pequeño Friedel… ¿Puedes oírme?.
Así comienza la divulgación del supuesto fenómeno por todo el mundo. Entre los que lo han estudiado destacan Konstantin Raudive (primero en prestar atención a las grabaciones de Jürgenson y quizás quien más aportó al tema, hasta el punto de que las psicofonías también son conocidas como voces de Raudive), Hans Bender, Alex Schneider,Theodor Rudolf, H. Heckman, G.W. Meek, P. Jones, Klaus Schreiber, Ken Webster, el matrimonio Harsch-Fischbach, Hans Otto Koening y, dentro del panorama español, Germán de Argumosa -introductor del fenómeno en España, tras tomar contacto con Raudive, Bender, Schneider y el P. Leo Schmid, con los que colaboró-, Sinesio Darnell, Fernando Jiménez del Oso, Pedro Amorós, etc
LUCIAN FREUD
Lucian Freud (nació en Berlín el 8 de diciembre de 1922 ) es un pintor y grabador británico. Sus padres fueron Lucie Brasch y el arquitecto Ernst Ludwig Freud, y es nieto del creador del psicoanálisis, Sigmud Freud . Tuvo dos hermanos: el político Clement Raphael Freud y Stephan Gabriel Freud. Su sobrina, Emma Freud es una prominente productora de radio británica.
Esta obra representa a su hija embarazada junatoa su marido fue creada en 1992
Las primeras pinturas de Freud a menudo están asociadas con el surrealismo y muestran personas y plantas en yuxtaposiciones inusuales. Estos trabajos están usualmente hechos con pintura muy fina y a partir de los años 1950 empezó a realizar retratos, muy a menudo desnudos, sin nada más, utilizando la técnica del empasto (o impassto). Los colores son a menudo neutros.
Los temas de Freud son personas y sus vidas; amistades, familia, colegas, amantes y niños. En contadas ocasiones acepta retratos por encargo. Como él mismo dice en sus memorias: "El tema es autobiográfico, cuanto tiene que ver con la esperanza y la memoria y la sensualidad y la participación, la verdad..." "Pinto gente, no por lo que quisieran ser, sino por lo que son".
El uso de animales en sus composiciones está muy extendido y es a menudo característico que aparezcan las mascotas al lado de su propietario. Ejemplos de retratos de animales y personas en la obra de Freud incluyen Muchacho y Speck (1980-81), Eli y David (2005-06) y dobleRetrato (1985-86).
Su pasión por los caballos le llevó a pintar los ejemplares de la escuela en Darlington, donde, además de montarlos, incluso dormía en los establos. De estos, cabe destacar los retratos de Grey Gelding (2003), La yegua Skewbald (2004), y Yegua comiendo heno (Mare Eating Hay) (2006).
Su cuadro "a la manera, al estilo de Cezanne" (after Cezanne) es notable por su forma inusual y el alto precio que pagó la Galería Nacional de Australia, de $ 7.4 millones de dólares americanos. Un retrato de pequeño formato de la reina Isabel II causó controversia, al mostrarla tan envejecida (o más) de lo que es. La prensa británica publicó críticas contrapuestas sobre él.
JING QUEK
UN FOTÓGRAFO DE SINGAPUR , QUIERE PONER A LOS DE SU ESPECIE EN EL MAPA
Jing es un joven fotógrafo de Singapur que plantea escenarios casi coreográficos con cierta simetría y un subyacente humor fino. En sus distintos proyectos, muestra gran atención por la composición, a la vez que cultiva un estilo irreverente y sagaz que parece nunca acabar. Explosiones de color que combinan movimiento y solidez de una manera única, dentro de un género autodesarrollado que él llama “Superhyperreal”. Para disfrutar una y otra vez descubriendo nuevas capas de información con cada visita a la obra de Quek.
Estas fotogrfías son eróticas de la cómida,basta ver la orgía de grasa de la serie
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jueves, 7 de abril de 2011
EL MITO
El mito -del griego mitos: palabra, discurso público, historia-, fiel a su sentido original, significa todo relato referente a un hecho real perteneciente a los orígenes, y repetido en el culto o en la historia del mundo y del hombre. El hecho se hace presente en las palabras del narrador ya que, en otras palabras, ¨ el mito es una historia de los tiempo primitivos, tenida por verdadera, que explica y fundamenta los fenómenos del medio ambiente, de la historia, de la sociedad y de la vida humana":
Ahora bien, el mito vive y revive su fuerza en la religión politeísta, que en sus ceremonias religiosas trae los acontecimientos pasados al presente en las palabras del que narra, del que canta los acontecimientos pasados como explicación de la realidad presente.
TIPOS DE MITO:
Se distinguen varias clases de mitos:
- Mitos cosmogónicos: intentan explicar la creación del mundo. Son los más universalmente extendidos y de los que existe mayor cantidad. A menudo, se sitúa el origen de la tierra en un océano primigenio. A veces, una raza de gigantes, como los titanes, desempeña una función determinante en esta creación; en este caso, tales gigantes, que suelen ser semidioses, constituyen la primera población de la tierra.
- Mitos teogónicos: relatan el origen de los dioses. Por ejemplo, Atenea surge armada de la cabeza de Zeus .
- Mitos antropogónicos : narran la aparición del ser humano, quien puede ser creado a partir de cualquier materia, viva (una planta, un animal) o inerte (polvo, lodo, arcilla, etc.). Los dioses le enseñan a vivir sobre la tierra. Normalmente están vinculados a los mitos cosmogónicos.
- Mitos etiológicos : explican el origen de los seres, las cosas, las técnicas y las instituciones.
- Mitos morales : explican la existencia del bien y del mal.
- Mitos fundacionales: cuentan cómo se fundaron las ciudades por voluntad de dioses. Un ejemplo es el de la fundación de Roma por dos gemelos, Rómulo y Remo , que fueron amamantados por una loba.
- Mitos escatológicos : anuncian el futuro, el fin del mundo . Siguen teniendo amplia audiencia. Estos mitos comprenden dos clases principales, según el elemento que provoque la destrucción del mundo: el agua o el fuego. A menudo están vinculados a la astrología. La inminencia del fin se anuncia por una mayor frecuencia de eclipses, terremotos, y toda clase de catástrofes naturales que aterrorizan a los humanos.
miércoles, 6 de abril de 2011
LOS X MEN
LA POLITICA Y EL FUTURO ALTERNO
Los X MEN son el reflejo de las estructuras sociales rejadas en la creacion de mounstros
que actuan en pro y encontra de si mismos.
La institución en esta ficción (la familia,la escuela, la iglesia, el sistema jurídico, la politica).
La muerte del cenador EEUU da inicio a un entramado de guerras entre los mutantes y determinada raza.
Si bien este grupo de mutantes nacen por la sublevacion de varios mutantes, estos tenian la obligacion de proteger a la tierra de varias inseguridades.
Los mutantes no quieren proteger más a los humanos , su responsabilidad es perseguir mutantes.
Los guionistas nos presentan una historia paralela al ¨FUTURO ALTERNO¨ que parte de un hito histórico a muerte del cenador,mantiene un futuro caótico para los mutantes y también para los ¨HUMANOS NORMALES¨.
Dussel palntea ¨ Maestros castrados que castraban
a sus discipulos¨ hace referencia a ese lucha que surge entre mutantes buenos protegiendo a los humanos y malos que destruyen a los humanos.
- hace referencia a peliculas-en el ¨FUTURO ALTERNO¨ no termina.
Dentro de la narrtaiva del comic los medios de comunicación juegan un papel preponderante en las interacciones sociales, fieles a su linea editorial, muestran otra realidad mediantes ¨ sus encuadres y sus globos¨
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